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<div id="op_description" class="col-sm-12">
<div>Il y a des artistes prolifiques, et puis il y a l&#8217;artiste hip-hop terre-neuvien Albert Dalton. Après sept ans dans l&#8217;industrie, il a accumulé un catalogue de plus de 150 chansons. Sa production et sa polyvalence en tant qu&#8217;artiste sont inégalées, car il a exploré les diverses sonorités expérimentales du hip-hop.</div>
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Albert Dalton

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<div id="op_description" class="col-sm-12">
<div>Annie-Claude Deschênes, figure incontournable de la scène musicale montréalaise, explore la fusion de la musique et de la performance artistique. Après avoir marqué son passage avec Duchess Says et PyPy, elle présente son premier album solo, Les manières de table, une œuvre mélangeant pop minimale et musique électronique, mêlant danse, mélodie et introspection.</div>
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<div id="op_contact" class="col-sm-12"></div>
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<p><iframe style="border-radius:12px" src="https://open.spotify.com/embed/artist/22BjCjalcQRqEkOEVzYl4i?utm_source=generator" width="100%" height="352" frameBorder="0" allowfullscreen="" allow="autoplay; clipboard-write; encrypted-media; fullscreen; picture-in-picture" loading="lazy"></iframe></p>


Annie-Claude Deschênes

<p>Asmaa Hamzaoui est la plus grande ambassadrice de la musique gnaouie. Avec son groupe Bnat<br />
Timbouktou, elle propose un blues du désert évangélique et contagieux.<br />
Bien que les femmes soient essentielles aux rituels gnaouies, les musiciennes gnaouies sont peu nombreuses. Asmâa Hamzaoui et le groupe Bnat Timboktou font partie d&#8217;une nouvelle vague qui change la donne. Née dans une famille casablancaise profondément gnaouie : son père est un maître musicien et sa mère danseuse. Elle apprend le guembri dès son enfance et, très jeune, rejoint le groupe de son père au qraqeb et à la chorale, avant qu&#8217;il ne l&#8217;encourage à fonder son propre groupe. C&#8217;est ainsi que naît Bnat Timboktou, le groupe qui sortira à la fin du printemps « L&#8217;bnat », la suite du premier album « Oulad<br />
Ighaba », salué par la critique, sur le label suédois Ajabu! Records.<br />
Pour nous, la musique gnaoua est au-dessus de toutes les autres.<br />
C&#8217;est notre enfance. C&#8217;est spirituel, apaisant et ça nous ancre.<br />
Lorsque ce groupe de femmes se produit, le guembri – un luth à cordes pincées joué dans un style percussif – et la voix expressive d&#8217;Asmaa Hamzaoui sont au cœur de l&#8217;ambiance sonore, tandis que le paysage sonore est imprégné des percussions rythmiques du qraqeb, si caractéristiques de la musique gnaoua.<br />
« Quand je joue du guembri, je suis vraiment dans mon élément.<br />
Il est fait à la main en bois et en peau de chèvre. C&#8217;est ce qui le rend vivant, en quelque sorte. »<br />
En 2017, Asmaa et le label ajabu! ont noué une relation plus profonde et ont commencé à enregistrer leur premier album « Oulad Lghaba », acclamé par la critique, à Casablanca et Stockholm. L&#8217;album a reçu un accueil enthousiaste et une reconnaissance internationale et a également été nominé pour un Songlines Music Award.<br />
Le nouvel album, « L´bnat », sortira dans le monde entier à la fin du printemps 2024 et se concentrera sur les traditions et l&#8217;esprit féminins de la culture gnaoua.<br />
Traditionnaliste à bien des égards, Hamzaoui est aussi une pionnière, faisant découvrir la musique gnaoua à des événements tels que le festival de Roskilde, le BAM à Barcelone, Square et Tremor au Portugal et le Womad. Elle souhaite préserver la musique gnaoua ; dans ce cas précis, il s&#8217;agit de la transformer par la préserver.</p>


Asmaa Hamzaoui & Bnat Timbouktou

<p>Billianne a captivé Internet en 2021 lorsque son adaptation de « The Best » de Tina Turner est devenue virale sur TikTok, atteignant plus de 2 millions de vues et suscitant une vague de viralité qui a redéfini sa vie. Forte d&#8217;une base de fans naturelle grâce aux éloges de certaines de ses idoles (Taylor Swift, The Lumineers, Joe Jonas, Ryan Reynolds, P!nk et Michael Bublé), Billianne a suivi ces encouragements et s&#8217;est lancée dans la création musicale.</p>
<p>Son premier EP, The Things We Talk About (2023), reflétait ses goûts et révélait ses idées, lui valant rapidement le titre de « prochaine grande voix de la musique » décerné par le Toronto Star. En préparation de son premier album, Billianne a présenté son morceau sincère et fantaisiste « Daydream » (avril 2024) en direct dans l&#8217;émission TODAY de NBC et est apparue sur Q de CBC pour en discuter avec Tom Power. Son prochain single « Crush » (août 2024) a percé le Top 10 des radios canadiennes Top 40.</p>
<p><iframe loading="lazy" style="border-radius: 12px;" src="https://open.spotify.com/embed/artist/0MID3D49WKmEGfBINN0VJC?utm_source=generator" width="100%" height="352" frameborder="0" allowfullscreen="allowfullscreen"></iframe></p>


Billianne

<p>Ce n&#8217;est pas un hasard si la musique de Bolis Pupul sonne ainsi. Né en Belgique d&#8217;une mère chinoise et d&#8217;un père belge, et élevé dans la ville créative et branchée de Gand, la musique de Bolis est un joyeux mélange interculturel. Mêlant l&#8217;électronique grand écran – pensez à la techno des débuts de Mr Fingers et au minimalisme homme-machine exubérant de Yellow Magic Orchestra – à la naïveté chaleureuse et décalée du New Beat belge, la sonorité singulière de Bolis est à la fois ludique, émotive, implacable et tendre.<br />
La véritable clé pour percer le secret musical de Bolis réside dans ce dialogue entre ses racines orientales et occidentales. C&#8217;est une notion qu&#8217;il a inconsciemment abordée sur ses deux premières sorties pour le label DEEWEE de David et Stephen Dewaele (Soulwax/2manydjs).<br />
« Les premières démos que j&#8217;ai réalisées pour DEEWEE contenaient des mélodies orientales à mon insu », explique-t-il. « David et Stephen l&#8217;ont souligné. Les mélodies, sans réfléchir, avaient cette sensation. »</p>
<p>C&#8217;est pourtant un sujet qu&#8217;il a exploré avec brio et enthousiasme sur son premier album solo, « Letter To Yu », suite à sa collaboration acclamée de 2022 avec Charlotte Adigéry, « Topical Dancer ». En grandissant, Bolis n&#8217;avait pas complètement nié ses racines chinoises – sa mère était née à Hong Kong – mais il ne les avait certainement pas embrassées. Cependant, après le décès de sa mère en 2008, il a commencé à se réconcilier avec son héritage.<br />
« Quand j&#8217;ai commencé à réfléchir à mes racines, au lieu d&#8217;en avoir honte, j&#8217;en suis devenu fier », se souvient-il. « Il est donc devenu de plus en plus important pour moi de renouer avec elles. J&#8217;ai suivi des cours du soir ici et j&#8217;ai commencé à apprendre le chinois. J&#8217;ai fait ça pendant quatre ans. C&#8217;était la première étape. »<br />
Sa première visite à Hong Kong en 2018 a cristallisé davantage la volonté de Bolis d&#8217;intégrer son héritage chinois à sa musique. C&#8217;est là-bas qu&#8217;il a été encouragé par David et Stephen à écrire chaque jour.<br />
« Ça pouvait être une simple mélodie, un rythme, ou des enregistrements de terrain », explique-t-il. « J&#8217;avais mon ordinateur portable avec moi. Je pouvais travailler dans le métro, au restaurant, dans un parc ou au bord de la mer. »<br />
Lors de son premier voyage à Hong Kong, son objectif principal était de retrouver le lieu de naissance de sa mère, Yu Wei Wun. Il avait un nom de rue, mais initialement pas de numéro de maison. Dès son premier jour à Hong Kong, il s&#8217;est donc rendu sur Ma Tau Wai Road, une immense route, l&#8217;une des principales artères de la ville, dans le district de Kowloon City.</p>
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Bolis Pupul

<p>« Bouvier Normal » est l&#8217;union créative d&#8217;Indy Bouvier et de Mike Normal, une déclaration d&#8217;amour et une passion commune pour la musique. Après leur rencontre en 2022, le couple a rapidement découvert leurs styles complémentaires. Bouvier Normal s&#8217;épanouit grâce à l&#8217;attraction magnétique des contraires : les douces harmonies vocales d&#8217;Indy et ses mélodies envoûtantes à la guitare acoustique se mêlent à la distorsion brute et à la batterie puissante et sans complexe de Mike. Ensemble, ils explorent de nouveaux territoires sonores, tissant des paroles qui explorent la codépendance, la solitude, la dépression et l&#8217;anxiété sociale. Si leurs thèmes peuvent paraître lourds, Bouvier Normal est loin d&#8217;être pessimiste. Pour eux, écrire sur des émotions difficiles est une libération cathartique, et leur amour l&#8217;un pour l&#8217;autre et leur musique brillent au cœur de tout cela.</p>
<p><code><iframe style="border-radius:12px" src="https://open.spotify.com/embed/artist/2G8gEx2sMExNaXJVyy7nCp?utm_source=generator" width="100%" height="352" frameBorder="0" allowfullscreen="" allow="autoplay; clipboard-write; encrypted-media; fullscreen; picture-in-picture" loading="lazy"></iframe></p>


Bouvier Normal

<p>Chanel Beads, le projet du musicien new-yorkais Shane Lavers, annonce son premier album, Your Day Will Come, et dévoile le premier single/clip, « Idea June ». Your Day Will Come marque l&#8217;arrivée de Lavers comme une nouvelle figure de la musique expérimentale. Tout au long de l&#8217;album, Lavers capture les multiples contradictions de l&#8217;existence moderne et l&#8217;étrange infinité du monde numérique. S&#8217;il intègre les sonorités décousues du post-punk, la sentimentalité poignante des morceaux pop et l&#8217;artifice spectral de la musique électronique, il brouille les pistes à travers des structures musicales non conventionnelles qui mènent à des climax transcendants. En imprimant intentionnellement ses chansons pour y intégrer des artefacts grillés et des restes fantomatiques, les morceaux qui en résultent ont une dimension temporelle, à la fois transitoire et intemporelle.</p>
<p>Après le précédent single « Police Scanner », « Idea June » met en scène sa compagne Maya McGrory au chant, projetant les paroles de Lavers. Tandis que McGrory chante d&#8217;une voix à la fois sincère et numériquement traitée, on dirait qu&#8217;elle s&#8217;exprime comme une incarnation distincte de Lavers. En moins de deux minutes, ce morceau de guitare acoustique maladroite et de cordes éraillées oscille entre détachement et parenté. Le morceau devient étrangement touchant dans sa forme inachevée et liminaire, et Lavers, attirée par les rips MP3 de piètre qualité et les transitions des mix DJ, sait que ces artefacts musicaux inexacts évoquent l&#8217;imperfection humaine.</p>
<p>Lavers a commencé à écrire Your Day Will Come lors d&#8217;une période de réflexion en novembre 2022. Coincé en quarantaine dans son appartement de Brooklyn, il a ressenti le besoin de puiser au cœur de sa véritable identité, au-delà des modes passagères et des moments culturels récurrents. Ainsi, pendant cette étrange période entre les vacances d&#8217;hiver, il a commencé à écrire des chansons qui luttaient contre la perte qui l&#8217;avait traversé, fondatrices de sa vision de lui-même et de ses relations avec les autres. Nombre des paroles qui lui sont restées répondaient à des conflits internes et externes. Des mots qu&#8217;il devait prononcer à voix haute pour révéler la réalité de la situation.</p>
<p>Tout au long de l&#8217;album, Lavers intègre les contributions de McGrory et du violoniste expérimental Zachary Paul, qui apportent leurs propres nuances émotionnelles qui ajoutent à la profonde émotion de l&#8217;album. Habitué à jouer dans divers groupes lorsqu&#8217;il vivait à Seattle, Shane a commencé à tout dépouiller lorsqu&#8217;il a commencé à donner des concerts à New York, cherchant à trouver ce qui lui semblait digne d&#8217;être interprété. Cet état d&#8217;esprit a guidé l&#8217;écriture du disque, où Lavers s&#8217;est efforcé de ne retenir que ce qui lui semblait le plus nécessaire. « Il y avait un filtre sur ce disque », explique Lavers. « Si je ne le ressentais pas en le jouant, je ne pouvais pas en faire une chanson. Autant je voulais créer quelque chose de frais au toucher, autant je devais créer quelque chose qui me fasse ressentir quelque chose. »</p>
<p>L&#8217;idée de « faux jazz », inventée par Donald Fagen dans un documentaire sur Steely Dan, a également influencé la philosophie de production de Lavers pour Your Day Will Come. Admirant cette expression pour sa distinction entre une version commerciale et apprêtée de ce que certains considèrent comme le « vrai » genre, il a cherché à créer ses propres distorsions déroutantes de ses inspirations, comme The Blue Nile, Prefab Sprout et David Sylvian.</p>
<p>Le titre de Your Day Will Come est un autre piège à double tranchant. Il peut être interprété comme une promesse d&#8217;un bon karma, ou comme un rappel de sa propre mortalité, prononcé par dépit. Pourtant, alors que Lavers déballe les sentiments obsédants du passé qu&#8217;il doit évacuer pour avancer vers l&#8217;avenir, il nous rappelle que le chagrin et l&#8217;espoir sont peut-être plus proches qu&#8217;il n&#8217;y paraît à première vue.</p>


Chanel Beads

<p>Haley Fohr est une chanteuse, compositrice et auteure-compositrice-interprète basée à Chicago, dans l&#8217;Illinois. Ses projets musicaux s&#8217;articulent autour de la condition humaine, et ses 15 ans de carrière au sein du Circuit des Yeux sont devenus l&#8217;une des initiatives les plus fructueuses des États-Unis pour relier l&#8217;intime à l&#8217;universel. Elle se distingue par sa voix de quatre octaves et son style unique à la guitare 12 cordes. Parmi ses œuvres récentes, citons la bande originale du film muet Salomé (1923) de Charles Bryant, commandée par Opera North, son album -io, salué par la critique en 2021, et deux LP sous le mystérieux nom de Jackie Lynn.</p>


Circuit des Yeux

CLEAR CHANNEL

<p>Comet est une force du nu-grunge qui déferle sur l&#8217;underground new-yorkais. Son EP à succès, Two-Winged, dégouline de murmures fantomatiques qui se transforment en cris à glacer le sang, imprégnés de larsens et de vagues de guitares fuzzées. Chaque note frappe comme un coup de poing dans le ventre, chaque parole est un regard brut et sans filtre sur les décombres de notre monde, vu à travers ses yeux. Avec un groupe qui joue comme s&#8217;il invoquait la fin des temps, Comet ne fait pas que du bruit. Elle s&#8217;assure que vous le ressentiez.</p>
<p><iframe style="border-radius:12px" src="https://open.spotify.com/embed/album/69fGLEzDBpRjqQl3XiHVKF?utm_source=generator" width="100%" height="352" frameBorder="0" allowfullscreen="" allow="autoplay; clipboard-write; encrypted-media; fullscreen; picture-in-picture" loading="lazy"></iframe></p>


Comet

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<div id="op_description" class="col-sm-12">
<div>&#8216;Anything glass&#8217;, le troisième album de l&#8217;auteure-compositrice montréalaise Brigitte Naggar, alias Common Holly, a été enregistré en direct en quelques jours, dans le but de capturer le son et l&#8217;énergie que son groupe a affinés sur scène.</p>
<p>Coproduit avec Devon Bate, collaborateur de longue date, Anything glass donne l&#8217;impression d&#8217;être à la fois certain et incertain, à la fois tranchant et doucement ciblé. Engageant et bien ficelé, l&#8217;album est une avancée réfléchie et captivante. Il aborde les thèmes de la mortalité, de la connexion et de la signification dans un monde en constante évolution.</p>
<p>Des influences clés comme Bill Callahan, Mount Eerie, Lomelda et Leonard Cohen ont influencé l&#8217;écriture de Naggar &#8211; des artistes qui donnent une impression d&#8217;universalité à ce qui est personnel, mais aussi des auteurs-compositeurs qui évoquent un monde autour de leur travail, qui peuvent livrer une chanson d&#8217;une pure douceur ou sincérité, mais toujours avec un bord, un scintillement de statique caché dans l&#8217;ombre.</p>
<p>Au fil des dix titres, Anything glass montre Brigitte Naggar en train d&#8217;élargir sa palette musicale pour y trouver de plus grands détails et des nuances toujours plus colorées. Elle capture son groupe en direct et vivant dans une pièce, chantant les soucis et les sagesses. Naggar réfléchit : &#8220;Nous existons dans des corps fragiles, dans un écosystème fragile, et lorsque nous nous sentons lucides, nous nous souvenons que nous ne vivrons pas éternellement. Et cette fin inévitable nous enveloppe et nous contient en nous rappelant de regarder à l&#8217;intérieur et de localiser ce qui compte le plus&#8230; et d&#8217;aller vers lui !&#8221;</p></div>
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<p><iframe style="border-radius:12px" src="https://open.spotify.com/embed/artist/1UrMdRfi5y19p3ZkWSmKxk?utm_source=generator" width="100%" height="352" frameBorder="0" allowfullscreen="" allow="autoplay; clipboard-write; encrypted-media; fullscreen; picture-in-picture" loading="lazy"></iframe></p>


Common Holly

<p>« cootie catcher » est un groupe indietronica qui repousse les limites de la créativité pour produire un son distinct et dynamique, composé de rythmes glitchy contrastant avec une batterie acoustique. Leur mélange de fingerstyle à la guitare acoustique, de voix masculines et féminines contrastées et de rythmes riches en samples insuffle une énergie fraîche et contagieuse à la scène musicale torontoise.</p>


cootie catcher

<p>DAM, qui signifie « éternel » en arabe, est le premier groupe de hip-hop palestinien et l&#8217;un des premiers à rapper en arabe. Formé à la fin des années 1990, Tamer Nafar, Suhell Nafar et Mahmood Jrere ont voulu raconter leur histoire à travers les rythmes du hip-hop. Le son de DAM est unique. Leur musique est une fusion unique entre l&#8217;Orient et l&#8217;Occident, mêlant un rap arabe féroce aux rythmes arabes, aux sonorités et mélodies du Moyen-Orient et aux rythmes entraînants du hip-hop urbain.</p>
<p>DAM est connu pour aborder des questions politiques importantes et des tabous sociaux dans ses chansons. Leur chanson « Min Irhabi » (« Qui est le terroriste »), sortie pendant la seconde Intifada et téléchargée plus d&#8217;un million de fois sur Internet peu après sa sortie (2001), a fait du groupe une figure emblématique pour les jeunes du Moyen-Orient. La popularité de DAM reste intacte à ce jour. La première sortie de leur troisième album « BEN HAANA WA MAANA » (2019), Emta Njawzak Yamma (« Quand te marieras-tu ? »), qui traite des pressions sociales liées au mariage, a également connu un succès immédiat, atteignant 1,6 million de vues en seulement 6 mois.</p>
<p>DAM s&#8217;est formé à la fin des années 1990 lorsque Tamer Nafar, Suhell Nafar et Mahmood Jrere ont eu envie de raconter leur histoire (de Palestiniens vivant en Israël) à travers les rythmes du hip-hop. En 2015, le groupe a sorti son premier single « Who You Are » avec Maysa Daw, qui a ensuite rejoint le groupe hip-hop. DAM s&#8217;est produit non seulement dans le monde arabe, mais aussi de plus en plus en Europe et aux États-Unis au cours des 15 dernières années.</p>


<p>Daniel Son est un artiste canadien originaire de Toronto, fondateur de Brown Bag Money et membre du collectif hip-hop The Umbrella. Son premier album, « Moonshine Chemist », est sorti en 2015. Depuis, il a donné naissance à de nombreux projets solo et collaboratifs, notamment avec des artistes comme Futurewave, Raz Fresco, Nicholas Craven et bien d&#8217;autres.</p>


Daniel Son

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<div>Do Make Say Think est un groupe de post-rock originaire de Toronto, formé en 1996. Signé par le label montréalais Constellation Records en 1997, il s’est imposé comme l’un des pionniers du genre. Le groupe continue à produire une musique instrumentale riche, émotive et saisissante, qui touche un large public à travers le monde.</div>
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Do Make Say Think

<p>Je joue du violoncelle et de la basse et j&#8217;interprète des chansons parfois qualifiées de « tranches de vie » et de « longues ». Je joue en live avec guitare, batterie, claviers et chœurs. Pour les fans de : Arthur Russell, The Roches, Jenny Hval, Yo La Tengo, Cate Le Bon, Purple Mountains, Devon Sproule, Cassandra Jenkins.</p>
<p><iframe style="border-radius:12px" src="https://open.spotify.com/embed/artist/6UntKZ32JDgJV35Nmk5gDi?utm_source=generator" width="100%" height="352" frameBorder="0" allowfullscreen="" allow="autoplay; clipboard-write; encrypted-media; fullscreen; picture-in-picture" loading="lazy"></iframe></p>


Eliza Niemi

<p>Fat Dog est l&#8217;un des nouveaux groupes les plus excitants de Londres, évoquant le genre de concerts frénétiques et sauvages qu&#8217;on n&#8217;a pas vu dans la capitale depuis des années. Leur premier album WOOF. est un mélange brillant et hallucinant d&#8217;électro-punk, de grognements rock&#8217;n&#8217;roll, de paysages sonores techno, de pop industrielle et d&#8217;euphorie rave, une musique pour se laisser aller ou, selon les mots du leader Joe Love, une « musique à hurler dans un oreiller ».</p>


Fat Dog

<p>Peu de thèmes sont aussi universels que le chagrin d&#8217;amour, mais l&#8217;auteure-compositrice-interprète goth-folk montréalaise Flower Face (Ruby McKinnon) a réinventé le genre avec son nouveau projet, à la fois brut et merveilleusement doux-amer, Girl Prometheus. Après The Shark In Your Water, sorti en 2022 et salué par la critique, Girl Prometheus présente 11 nouveaux titres qui, chacun à sa manière, célèbrent la survie et le renouveau de Ruby. Des moments acoustiques murmurés s&#8217;entremêlent à des compositions cinématographiques et enveloppantes pour former un album aussi intensément personnel qu&#8217;intéressant.</p>
<p><iframe style="border-radius:12px" src="https://open.spotify.com/embed/album/4UvbY4BucYEaapb5WgRa1d?utm_source=generator" width="100%" height="352" frameBorder="0" allowfullscreen="" allow="autoplay; clipboard-write; encrypted-media; fullscreen; picture-in-picture" loading="lazy"></iframe></p>


Flower Face

<p>Fold Paper est un projet post-punk lancé par Chell Osuntade à Winnipeg. Originaire de la communauté noire, Chell s&#8217;inspire d&#8217;autres groupes majeurs du post-punk, comme Blessed, Stuck, Unschooling, Palm, etc. Fold Paper prévoit de sortir prochainement de nouveaux morceaux pour accompagner son parcours.</p>
<p>&nbsp;</p>
<p>&lt;iframe style=&#8221;border-radius:12px&#8221; src=&#8221;https://open.spotify.com/embed/album/04sbdwP0aeMJa5iNujsKbS?utm_source=generator&#8221; width=&#8221;100%&#8221; height=&#8221;352&#8243; frameBorder=&#8221;0&#8243; allowfullscreen=&#8221;&#8221; allow=&#8221;autoplay; clipboard-write; encrypted-media; fullscreen; picture-in-picture&#8221; loading=&#8221;lazy&#8221;&gt;&lt;/iframe&gt;</p>


Fold Paper

<p>Fresh Wax est un groupe expérimental de post-rock qui se compose de riffs de basse déchaînés, d&#8217;une batterie puissante, de synthétiseurs palpitants et de voix qui s&#8217;entremêlent pour en dire plus avec moins. Le groupe s&#8217;inspire de Roxy Music, Talking Heads et DEVO, mais détourne les genres pour donner à son son un caractère unique mais bien connu.</p>
<p><iframe style="border-radius:12px" src="https://open.spotify.com/embed/artist/02fFsYbfsLeys3lPhtf1wv?utm_source=generator" width="100%" height="352" frameBorder="0" allowfullscreen="" allow="autoplay; clipboard-write; encrypted-media; fullscreen; picture-in-picture" loading="lazy"></iframe></p>


Fresh Wax

<p>Garden of Love s&#8217;est formé en 2022 sous le nom de Jane Harms Love Triangle autour de chansons écrites par Jane Harms, avec Cole Woods de Laughing à la batterie. Aujourd&#8217;hui, avec Sony Cody (Body Break) à la basse, ils continuent de peaufiner un son distinctif qui oscille entre folk rock, power pop et new wave avec l&#8217;urgence du garage punk, tout en restant résolument uniques. Leurs chansons complexes et denses en paroles sont des mots de désir et de mise en garde contre un jardin de plaisirs décadents en voie de disparition. C&#8217;est du rosepunk pour les breadpunks. C&#8217;est un peu idiot, un peu sérieux, un peu désespéré et un peu extatique.</p>
<p>Ce groupe sonne comme quelqu&#8217;un qui a une compréhension assez déformée de ce qui est acceptable et qui tente d&#8217;écrire la musique la plus universellement attrayante qu&#8217;il connaisse, avec une section rythmique composée d&#8217;idiots incroyablement talentueux et tout aussi tordus. Ou peut-être comme si un groupe de reprises de Genesis ivre essayait d&#8217;apaiser un public punk mécontent avec des chansons accélérées de Neil Young.</p>


Garden of Love

<p>Good Flying Birds est un groupe de pop-guitare bruyant et tintant, basé dans le Midwest américain. Il a débuté en décembre 2023 avec une collection d&#8217;enregistrements sur cassettes 4 pistes et de vidéos en stop-motion publiées sur YouTube sous le nom de « Talulah God », ainsi qu&#8217;un site web chaotique et coloré infesté de GIF. Au cours des mois suivants, les chansons ont été mises en ligne assez fréquemment, attirant finalement l&#8217;attention de Martin Meyer, influent exploitant de label punk et DIY. En janvier 2025, « Talulah&#8217;s Tape » est sorti sur Rotten Apple. Recueil d&#8217;enregistrements maison de 2020 à 2024, il témoigne d&#8217;un amour profond pour l&#8217;histoire de la musique de guitare indépendante, d&#8217;une écriture intelligente et mélodique, et d&#8217;un charme twee-punk accessible. Il a immédiatement fait sensation dans les cercles underground, étant fréquemment diffusé sur les radios indépendantes et vendant 300 cassettes en moins d&#8217;un mois. le même jour de sortie que « talulah&#8217;s tape », une cassette de tournée divisée entre répondeurs, good flying birds et soup activists est sortie et s&#8217;est également vendue rapidement, mettant en valeur le dernier matériel du groupe et la voix de la chanteuse Susie Slaughter.</p>


good flying birds

<p>Hand Habits, le projet de Meg Duffy (iel), musicien•ne basé•e à Los Angeles, a récemment sorti son nouvel album, Fun House &#8211; le plus ambitieux des albums de Hand Habits à ce jour. Produit par Sasami Ashworth (SASAMI) et conçu par Kyle Thomas (King Tuff), l&#8217;album n&#8217;a pas été conçu en réaction à la pandémie, mais suite à un moment de pause difficile, bien que nécessaire. Encouragé•e par la thérapie et incité•e par son producteur à donner aux chansons des formes nouvelles et inattendues, le résultat est plus personnel et plus aventureux que tout ce qu&#8217;on aura entendu de Hand Habits auparavant. Le mélange des styles, associé à des chansons qui se déplacent habilement entre le présent et le passé, donne à l&#8217;album une diversité sauvage, une qualité de miroirs, comme son nom l&#8217;indique. Alors que les précédents disques de Hand Habits pouvaient être assez insulaires, Fun House est bouillonnant, luxuriant : une conversation pleinement réalisée.</p>
<p><iframe style="border-radius:12px" src="https://open.spotify.com/embed/artist/5poU7FPEYoBlwjzOEWMbX5?utm_source=generator" width="100%" height="352" frameBorder="0" allowfullscreen="" allow="autoplay; clipboard-write; encrypted-media; fullscreen; picture-in-picture" loading="lazy"></iframe></p>


Hand Habits

<p>HAWA B questionne les limites de la création par sa musique iconoclaste aux textures<br />
plurielles, où le soul et le jazz côtoient le rock alternatif, qui demeure sa source d&#8217;inspiration<br />
principale. Il en résulte des pièces envoûtantes aux sonorités denses.<br />
Au travers de ses deux premiers EP, Sad in a Good Way (2022) et sadder but better (avril<br />
2024), HAWA B tend la main à la tristesse et en embrasse les déclinaisons les plus<br />
contrastées. Son écriture est franche, tranchante, et en dialogue avec l’autre ou elle-même :<br />
l’oreille sensible saura y trouver un remède.<br />
C’est à travers sa réappropriation de genres musicaux alternatifs qu’HAWA B cahute ce qui<br />
est imposé aux femmes et aux artistes de couleur.<br />
Sur scène, HAWA B hypnotise par la profondeur de sa voix &#8211; évoquant les accents<br />
magiques des chants de sirènes. Polymorphe, elle multiplie les formules : de duo à sextet,<br />
offrant à tout coup une performance unique et insaisissable.<br />
HAWA B sort son premier album &#8211; better sad than sorry &#8211; coréalisé avec Félix Petit (Les<br />
Louanges, Safia Nolin, Hubert Lenoir, FELP) en novembre 2024 sous l’étiquette Duprince.</p>


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